Cav/Pag, Madrid 2007

Cavalleria Rusticana (Pietro Mascagni) I Pagliacci (Ruggero Leoncavallo) Teatro Real Madrid, march 2007 DVD Opus Arte (video preview of I Pagliacci on the page)

Cavalleria Rusticana cast
Santuzza - Violeta Urmana
Turiddu - Vincenzo La Scola
Mamma Lucia - Viorica Cortez
Alfio - Marco Di Felice
Lola - Dragana Jugovic  



I Pagliacci cast
Canio - Vladimir Galouzine
Nedda - María Bayo
Tonio - Carlo Guelfi
Beppe - Antonio Gandía
Silvio - Ángel Ódena

Conductor - Jesús López Cobos
Director - Giancarlo del Monaco

This production begins with a brilliant idea that bends Cavalleria Rusticana and Pagliacci in a unique and very coherent way. Since nowadays those two one-act operas are almost always performed together, director Giancarlo Del Monaco decided to include Cavalleria in I Pagliacci.
After all, Leoncavallo's piece is based on theater inside the theater, "mise an abyme" as we say in French [1] - with the characters oscillating between their real life and their performances in the circus and interactions with the crowd. After Pagliacci's prelude, Tonio enters the auditorium from the rear and makes his way onto the stage while singing "Si può? si può?". After his aria, the curtain opens on the sets of Cavalleria Rusticana, and the Mascagni's piece is fully performed, before I Pagliacci resumes.

The setting of Cavalleria is very well though off - and pictures adequately the XIXth century Sicilian atmosphere of the piece: bright white light, marble blocks (similar to those one can see in the region), sloping ground, all-black costumes, the way of the Cross, Catholic flagellants...

The musical aspect on the other hand is definitely not so successful. Vincenzo Scola has disastrous high notes that reminded me of Franco Farina (not the kind of reminiscence you want to have), and his big aria, "Vino generoso" was beyond mediocrity. The chorus is equally bad - lack of Italian diction, of fluidity and unison ("Regina coeli laetare" and "a casa amici" being the worst parts) and the musical execution is not much better either (the flutes are horrendous in Alfio's "Ad essi non perdomo" and "Viva il vino spumeggiante"). The conduction of Jesus Lopez Cobos is first-grade textbook: uninspired, laboured, with no sense of the rhythm of the score (too fast in "Regina coeli laetare", passionless in the intermezzo, too slow in numerous other times).


Violetta Urmana is kind of worthy of applause. Her stage presence is interesting and her portrayal of Santuzza is believable ("voi lo sapete" is superb and her "Bada!" is very convincing). Her low register is beautiful - but she can't be heard over the chorus. Marco Di Felice's Alfio is clearly one of the best I've seen in recent years; Viorica Cortez's Mamma Lucia on the other hand is hammered by an irritating vibrato that just won't stop.

As for I Pagliacci, Carlo Guelfi is a fine Tonio, but the rest of the cast is not up for the task (especially Vladimir Galouzine as Canio). And the conduction of Cobos once again fails to fully feature the score of Leoncavallo. The sets are pretty ugly and lack colors, light and life, basically.

Conclusion

All in all, I must say this DVD is not really worth buying - unless you are really fond of Cavalleria Rusticana, like myself.

[1] If some knows how to translate this literary term in English, please share - I'm all for expending my vocabulary.

The two Onos

La Fenice - Capodanno 2007 Rai Uno Broadcast Dimitra Theodossiou - soprano Giuseppe Filianoti - tenore Roberto Frontali - baritono Massimo Quarta - violino Orchestra e Coro del Teatro La Fenice Conductor - Kazushi Ono 1. Rossini, La Cenerentola: Sinfonia 2. Bellini, Norma: «Casta diva» 3. Mascagni, Cavalleria rusticana: Intermezzo 4. Verdi, La traviata: «Di Provenza il mare, il suol» 5. Verdi, Rigoletto: «Questa o quella per me pari sono» 6. Rossini, La danza. Tarantella napoletana 7. Rossini, Il barbiere di Siviglia: «Largo al factotum» 8. Paganini, Concerto per violino e orch n. 1 in mi bemolle maggiore 9. Verdi, Nabucco: «Va' pensiero sull'ali dorate» 10. Verdi, La traviata: «Libiam ne' lieti calici»

Marco Brescia, AP Scala, March 25 2008

Would I have watched this broadcast, hadn't it been for conductor Kazushi Ono, who will officially be introduced to us tomorrow night for his first concert as Lyon's Principal Conductor? Almost certainly not. But curiosity took the better of me, and I couldn't wait til tomorrow (especially since I'm not familiar with the program). As a result of this sneak peak, I am more perplexed than anything else (this basically is not useful at all). There were two concerts, really, in this broadcast. The first one consisted of the first 5 pieces, and it was awful. The conduction was stiff, emotionless, almost military at times, and desperately slow and laborious at other moments. At that point, I was in a total despair (thinking he's supposed to stick in Lyon for several years). And then, there was the second concert. The great one. Nuances and finesse started to emerge in Rossini's Tarantella Napoletana, but really exploded afterward. "Largo al factotum", conduction-wise, rose to the level of, let's say, James Levine; the Pagagnini piece was also a success, and the last two Verdi pieces were superb - full of subtlety, life and energy. So here it is people: I still have absolutely no clue as to what to expect from Kazushi Ono.

Konwitschny's Don Carlos at the Liceu

Don Carlos
Opéra en 5 actes de Giuseppe Verdi (original version)
Livret de Joseph Méry et Camille du Locle (en français)

Production of Peter Konwitschny
Wiener Staatsoper / Liceu
Premiere in Hamburg in 2001
Premiere in Vienna on Oct.18 2004 (DVD available)
Premiere in Barcelona on Jan.27 2007 (review of the broadcast)
Last performances in Vienna on June 19, 24 and 28, 2008


Don Carlos - Franco Farina
Elisabeth - Adrianne Pieczonka
Princesse Eboli - Sonia Ganassi
Philipe II - Giacomo Prestia
Rodrigue, marquis de Posa - Carlos Alvarez
Le Grand Inquisiteur - Eric Halvarson

Conductor - Maurizio Benini



I. The staging

This was a very controversial production from the beginning, and I do understand why. While the motives of Peter Konwitschny are often appropriate, the aesthetics is rather disconcerting and preposterous.

Eboli's dream (Vienna 2004)

It was indeed a good idea - as this production is build on the integral 5 act version of the opera, including a 20 minute ballet (mandatory for the creation in 1867 in Paris) -, to use the time to a fantasy scene entitled "Eboli's dream" of the perfect suburban life she could have had with Carlos. But Suburbia and XVIth century aren't related in any way, and as Konwitschny chose costumes inspired from the XVIth century for the entire opera, the dream of Ebony ends up being totally awkward. The anachronism just didn't work at all for me (especially this one, where the audience is suddenly submerged into this burlesque movie from the 1960s).

The auto-da-fé scene was the highlight of this production and yet again, I couldn't make the switch from the XVIth to the XXIth-media frenzy century. What definitely didn't help was Carlos wearing a XVIth century dagger under his XXIth century tuxedo.

The moves the singers had to perform were also too exaggerated and I don't like it when the Opera House turns into a circus and the singers into clowns. I really don't.
It's the ultimate pleonasm if you think of it: "look at me, I'm singing I'm miserable because I'm trapped in that relationship, I'm feeling it but in case you still haven't noticed, with the music and all, I'm showing you with wide mimic gestures Konwitschny dug out from old Marcel Marceau's tapes".
It's very condescendent to the audience and I can't really see beyond that.

The set on that production is non-existent, for the most part, and it gets utterly boring in the last two acts. The light designer must have been desperate for something to do in that production, I'm afraid he either died of desolation or boredom, as Konwitschny had no interest whatsoever in that department.



II. The cast

Adrianne Pieczonka

Lots of disappointments there.
Franco Farina was awful as usual (this tenor I especially don't like), with awful high notes and awful diction (see by yourselves how he ruins the most beautiful aria of this opera, the duet with Rodrigue in Act 2, "Dieu, tu semas dans nos âmes"); Giacomo Prestia (Philippe II) abuses of vibratos in hopes nobody notices he can't sing in French; Sonia Ganassi (Eboli) was musically weak but managed a good acting performance (especially in Act 4); Adrianne Pieczonka was vocally the best of the cast but her acting skills are limited to one facial expression; Carlos Alvarez lacked something as Rodrigue - authenticity I suspect, and the stage directions obviously didn't help.




III. The music

Another huge disappointment there.
The reading Maurizio Benini has of that piece seems to be that, since Don Carlos is so long it's bound to be boring, the best thing to do is to rush the musicians, speed things up - and be done with it. The problem with that assumption is that it doesn't reveal the beauty of the score at all, as he used no nuance, lacked finesse and passion. His conduction was flat and linear yet extremely speedy (very disturbing indeed).

I'll stick to my DVD conducted by Pappano with Alagna, Hampson and Van Dam.




Further readings:

- A piece (in French) written by Jaime Estapà including the historical discrepancies of the opera
- Michael Milenski (in English)

Roméo et Juliette, Met broadcast Dec. 2007

Roméo et Juliette
Opéra en 5 actes de Charles Gounod
Livret de Jules Barbier et Michel Carré d'après la pièce Romeo and Juliet de Shakespeare

PBS TV broadcast
December 15, 2007
Metropolitan Opera

Placido Domingo, Conductor

Tybalt: Marc Heller
Paris: Louis Otey
Capulet: Charles Taylor
Juliette: Anna Netrebko
Mercutio: Nathan Gunn
Romeo: Roberto Alagna
Gertrude: Jane Bunnell
Gregorio: David Won
Friar Laurence: Robert Lloyd
Stephano: Isabel Leonard
Benvolio: Tony Stevenson
The Duke of Verona: Dean Peterson


I get that, after a few hundred years singing almost every operatic role ever written for a tenor, you will eventually get so bored you'll try to expand your musical experiences by, say, conducting operas.
Considering you spent ages under the most brilliant conductors of the XXth century, you should have such a depth at understanding the scores your conduction should really be something unique.
Everybody knows though, that Placido Domingo as a conductor has raised a lot of criticism (and booing from the audience too), and up to now, I really couldn't get why. Sure, the conductions I heard from him were nothing but average, but most of the conductors these days (at least in the bel canto area) are mediocre at best.
Well, all that changed after I watched this broadcast from the Met.

Being such a freak for Gounod, I of course get emotional pretty quick - in that case pretty upset.
The best way to describe Domingo conducting that piece is to picture the vacuum of the universe (which is not really made of nothing, but this blog isn't about to start on physics), and its freezing temperature of roughly three Kelvin.
The render of Gounod's music Domingo provided the Met with is a emotionless and cold as the universe. His understanding of the rhythm of Gounod is desperately wrong and boring, as everything is played on a military mode - one, two, one, two, one, two.
I don't question his musicality as much as I question his hearing though. How can he not hear the orchestra sounds flat and mechanical? There's an ugly monotony to everything (in all fairness, except for the waltz parts), especially to the non-singing parts of the score, and he seems to have no interest whatsoever for the attacks of the notes.
A big cold vacuum, really (sorry!).

Ruby Washington for the NY Times

As for the chorus of the Met, which can't basically deal properly with the French language, no offense to New Yorkers, the conduction of Domingo ruins every chance of extracting a decent performance out of it. Once again, everything is blind and tasteless, especially my favorite intervention of the chorus (even if it last no longer than thirty seconds) during the duet between Tybalt and Mercutio (Act 3) with the supposed-to-be vindicative and passionate "Capulets! Capulets! Race immonde!".

Ken Howard for the Metropolitan Opera

The cast was equally disappointing, Marc Heller (Tybalt) and Louis Otey (Paris) been horrible; the French diction (or the lack of, rather) and over-the-top acting of Nathan Gunn make him a mediocre Mercutio indeed.
Anna Netrebko surprised me a lot as she was pretty good at playing the ingénue part of Juliette; the problems obviously start when she starts singing (I notoriously don't like her, so I won't go into further details). Charles Taylor as Capulet, the father of Juliette, was interesting enough, and Alagna, though pretty good at the beginning of the performance, slightly slipped into uncharted waters by the end of the broadcast. The last scene in front of Juliette's grave was rather painful to hear, as his voice was so tired he could hardly control it at all.

All and all, a very disappointing broadcast.

The voice of angels : JDF in Paris

 

Récital Salle Pleyel

Paris October 8, 2007

Juan Diego Flórez

Vincenzo Scola, piano

Mozart : air de concert “Misero ! O sogno, o son desto ?”

Bellini :
– Quattro Sonetti (n°2) : La Ricordanza
– Bianca e Fernando : “All’udir del padre afflito”

Rossini :
– Melodia L’orgia
– Guglielmo Tell : Récitatif et aria, “O muto asil del pianto”
– Prélude pour piano seul
– Elisabetta regina d’Inghilterra : “Deh ! troncate”

Tosti : mélodies
- Ideale
- Seconda mattinata
- Quattre Canzoni d'Amaranta n°2: "L'alba sepàra dalla luce l'ombra"

Verdi : Rigoletto
– “Questa o quella”
– “Parmi veder le lagrime” – “La donna è mobile”
 
Bis :

– Verdi, Rigoletto, "Possente amor mi chiama"
– Amadeo Vives, "Doña Francisquita : Por el humo se sabe” (zarzuela)
– Maria Grever, “Júrame” (chanson sud-américaine)
– Donizetti, La Fille du régiment : “Ah ! mes amis, quel jour de fête !”

I cannot share with words an evening with Juan Diego Flórez.
He's the only living singer that provides me with a glimpse of eternity. A moment, out of time, when you forget everything and can't say for sure whether you're dreaming or fully awake.

An evening that ends with the most precious gift you couldn't dare to hope for, on the 4th and last bis, the aria he truly owns for years to come, "Ah mes amis!" and its slippery 9 high C's. All perfectly hit after more than an hour and a half of singing.


 
Back to Earth...

The program was an interesting mix of concert arias (Mozart, Bellini, Rossini) and opera extracts (Rossini, Bellini, Verdi) with the discovery of the melodies of Francesco Paolo Tosti, truly charming and in the tradition of napolitan songs. Superb performance of JDF singing Bellini's aria from Bianca e Fernando (from his lattest CD, Arias for Rubini) and Rossini's "L'orgia".
I'm sorry if my post lacks analysis and well, isn't remotely close to being a review of the concert, but JDF really leaves me speechless. I just adore him. This blog cannot, therefore, relay any criticism read or heard regarding his performance.

All pictures of JDF taken during the evening.

Une fin de saison calamiteuse

The Rake’s Progress

Opéra de Lyon
24 mai 2007

Opéra en trois actes et un épilogue d’ Igor Stravinsky (1951)
Livret de Wystan Hugh et Chester Kallman

Coproduction Théâtre Royal de la Monnaie/Bruxelles, San Francisco Luric Opera, London Royal Opera House, Teatro Real de Madrid, Opéra de Lyon


Direction musicale
Alexander Lazarev

Mise en scène
Robert Lepage

La partition de Stravinski, mélange de récitatifs avec clavecin comme pour les opéras de Gluck et de pseudo airs mélodiques, que je découvrais ce jeudi est déjà, à elle seule, une aberration.

La diction des différents interprètes, abominable, l’a plongée dans une lourde atmosphère wagnérienne (alors que le livret est en anglais).

Photo Johan Jacobs, Théâtre de la Monnaie, Bruxelles

La mise en scène de Robert Lepage, le fondateur du Cirque du Soleil (dont j’aime l’esthétique) se résume à un enchaînement incessant de gadgets plus ou moins ratés apparaissant sur scène à la façon « Jack in the box », c’est à dire surgissant du sol, sans crier gare.
La gestion des déplacements, sans aucune cohérence, sans aucune ampleur est d’un statique effarant.


La scène vide la plupart du temps empêche la projection des voix, le son s’effilochant en coulisses plutôt que de rebondir sur les différents éléments de décors.
Assez des metteurs en scène qui ne comprennent rien à l’acoustique.


Assez de ces mises en scène gadgets où le metteur en scène tente de combler la pauvreté de son analyse du livret par foule de pochettes surprises, toutes plus agaçantes les unes que les autres.

Photo Johan Jacobs, Théâtre de la Monnaie, Bruxelles

Ma fin de saison à l’opéra de Lyon aura le mérite d’être très vite effacée de ma mémoire.
Et Serge Dorny peut attendre longtemps, avant que je ne retente la découverte d’opéras qui ne correspondent pas à mes goûts.

Je m’attendais à passer une soirée décevante, mais à ce point, je n’aurais pu l’imaginer.



Livret disponible ici, dossier de presse là; synopsis de l'opéra là.

Lectures complémentaires:

L'article élogieux de Marie-Aude Roux du Monde (mais où était Renaud Machart?), celui de Michel Parouty des Echos (lui aussi en-chan-té), celui de Jean-Louis Validire du Figaro (bref, tout le petit monde parisiano/bobo/hype de la critique a a-do-ré).

La Voix Humaine, Le Chateau de Barbe Bleue

Opéra de Lyon, dans le cadre du Festival d'Opéras en un acte.
Soirée du 5 mai 2007.


La voix humaine
Tragédie lyrique en un acte de Francis Poulenc,
Texte de Jean Cocteau (1959).

Direction musicale : Juraj Valcuha
Mise en scène et costumes : Laurent Pelly

La femme : Felicity Lott



Le chateau de Barbe-Bleue
A Kékszakallù herceg vava
Opéra en un acte de Béla Bartok,
Livret de Béla Balazs (1918).

Direction musicale : Juraj Valcuha
Mise en scène et costumes : Laurent Pelly

Barbe-Bleue : Peter Fried
Judith : Hedwig Fassbender


Photos, extrait vidéo sur le site de l'Opéra, livret ici.



Préambule

Je n'avais jamais assisté à un opéra de Poulenc ou de Bartok.
Mais, d'après les extraits entendus de ci, de là, je savais que je n'étais sensible ni à l'une, ni à l'autre de ces musiques.

Depuis hier soir, je sais désormais qu'elles m'ennuient profondément.
Faute en est à la pauvreté de la ligne mélodique (carrément absente chez Poulenc) et à cette volonté de n'utiliser les instruments que de façon saccadée et courte.

Qui plus est chez Bartok, cette volonté de combler le vide mélodique par une pléthore d'instruments divers et variés qui n'apportent rien à la partition, parce qu'utilisés sporadiquement et sans réelle cohérence; orgue, xylophone, célesta, deux harpes... est particulièrement agaçante.

La Voix Humaine

Photo Opéra de Lyon

Felicity Lott était l'attraction de cette soirée, dans cette pièce courte de Poulenc, seul personnage sur scène, en permanence sollicité.

Las.
La voix, vieillie et fatiguée, était submergée dès que l'orchestre jouait en même temps, les aigus plus aussi cristallins, les graves inaudibles.
Restent la diction parfaite de Felicity Lott et son implication scénique pour rattraper un peu l'ensemble.

Photo Opéra de Lyon

La mise en scène de cet opéra est chose ardue, puisque l'action est inexistante et que le seul personnage dialogue avec un téléphone. Que Joseph, Monsieur Mon Chéri ou le vide soient au bout du fil ne change rien au dépouillement de l'action.

Dès lors, insuffler un peu de vie scénique relève de l'exploit, si tant est que le metteur en scène veuille garder l'esprit du livret.

Photo Opéra de Lyon

Laurent Pelly a choisi de placer l'action dans un appartement lyonnais et, plutôt que de faire déplacer Felicity Lott dans diverses pièces, il a choisi de bouger les meubles, littéralement, avec des mouvements incessants de décor.
C'est intéressant au début, vite rébarbatif ensuite.

Qui plus est, le découpage des décors fait que l'élément sur scène est noyé dans l'immensité désertique de la scène. J'y ai senti une atmosphère claustrophobique qui n'est pour le compte par vraiment en accord avec le livret.
Essai non concluant à mon sens.


Le Chateau de Barbe Bleue

Photo Opéra de Lyon

Les interprêtes, Peter Fried et Hedwig Fassbender, eux aussi ont peiné vocalement, en terme de puissance sonore notamment.

Les décors et les choix de mise en scène de Pelly par contre, sont admirables.
Le Chateau est traité comme le personnage central de l'oeuvre, plutôt que comme un décor figé.

De fait, ces murs suintants d'eau et de sang, comme le dit le livret, sont constamment en mouvement, créant une ambiance organique qui s'accorde merveilleusement avec la hauteur de ses murs, écrasant les personnages, remplissant tout l'espace.

L'absence de tout autre élément sur scène renforce cette impression.

Photo Opéra de Lyon

Le choix des matériaux pour les murs, molletonnés, capitonnés, participe d'une cohérence louable, les portes qui s'ouvrent sur des pièces dont le contenu, invisible, est traduit par des seuls effets lumineux (rouge sang pour la salle d'armes et de torture; jaune scintillant pour la salle du trésor; vert avec des impressions de feuilles pour les jardins; vagues bleues en mouvement pour la salle du lac).

L'ensemble est vraiment hypnotique et malsainement envoûtant.



Conclusion

Il est vraiment heureux que cette soirée puisse s'enorgueillir de cette très belle deuxième mise en scène de Pelly.

Elle aurait été ratée sans.

Critiques complémentaires

Extrait de l'article de Renaud Machart paru dans Le Monde du 23 avril:

" Déception, ici aussi, tant pour la musique que pour la mise en scène, confiée au duo Laurent Pelly et Agathe Mélinand. Les deux comparses, fameux pour leurs relectures très remaniées des opéras d'Offenbach en particulier, ont une manière assez efficace de trouver des solutions scéniques qui ne pèsent certainement pas par leur profondeur.

Pour Le Château de Barbe-bleue, chanté de très honnête façon par Hedwig Fassbender et Peter Fried, ils ont conçu des tours de passe-passe giratoires pour hautes murailles capitonnées et fait descendre des loupiotes signalétiques au fur et à mesure que les sept portes s'ouvrent.

HARMONIES DOUCES-AMÈRES

Une simple exécution en concert n'aurait pas enlevé de sa force au drame. Mais celui-ci en était dépourvu en raison d'une direction assez apathique de la part du chef slovaque Juraj Valcuha. Le Château de Barbe-bleue et ses harmonies douces-amères devraient glacer, saisir. On s'est ennuyé comme rarement au cours de cette exécution par un orchestre au son anémié, aux cordes sans substance, aux attaques et à l'intonation rarement nettes.

Dans La Voix humaine, le chef, par peur de couvrir la chanteuse britannique Felicity Lott, l'accompagne timidement, retenant constamment le son, alors que Poulenc indique que "l'oeuvre entière doit baigner dans la plus grande sensualité orchestrale".
La faute en revient à Laurent Pelly : sa scénographie, où une cheminée, un lit, un fauteuil, un dressing jouent à cache-cache et à "un petit tour et puis s'en vont", laisse le vaste plateau à découvert, sans élément réfléchissant qui permette à la voix de Felicity Lott de se projeter.
Celle qui est une interprète d'ordinaire bouleversante de La Voix humaine en perdait, elle aussi, de sa substance, entraînée dans cet agaçant ratage, chic et toc. "

Extrait de l'article de Christian Merlin paru dans Le Figaro du 23 avril:

" Grand moment, enfin, avec le couplage de La Voix humaine, de Poulenc, et du Château de Barbe-Bleue, de Bartok. Laurent Pelly y fait naître deux univers grâce aux décors parlants de Chantal Thomas : quelques instantanés d'un appartement bourgeois lyonnais pour le premier, un château vivant pour le second, dont les murs bougent et respirent comme une matière organique avant de se refermer sur Judith.


Faire du château le personnage principal de cette action intérieure si difficile à traduire visuellement : voilà une idée simple mais géniale ! Autant le chef Eivind Gullberg Jensen avait montré quelques signes d'inexpérience lyrique dans la soirée Bizet-Puccini, autant le tout aussi jeune Juraj Valcuha passe de Poulenc à Bartok comme si cela allait de soi, avec à la fois le sens du style et du son, l'instinct du drame et le respect des voix.

Tour de force aussi pour l'orchestre, car si trois chefs et quatre metteurs en scène ont été convoqués, les instrumentistes jouent sans se relayer, avec un niveau technique et une endurance qui ne fléchissent pas.

Avec leurs voix rugueuses, Peter Fried et Hedwig Fassbender évitent le piège esthétisant qui rendait trop belle la dernière production parisienne. Mais ce que l'on emportera à jamais dans ses souvenirs, c'est Felicity Lott dans La Voix humaine. Car une telle leçon de diction, de chant et de théâtre, cela fait partie des moments dont on est fier, plus tard, de dire : « J'y étais. » "

A lire aussi, la critique de ForumOpera.

Djamileh, Georges Bizet

Opéra comique en un acte, 1872
Livret de Louis Gallet, d’après Namouna d’Alfred de Musset.


Opéra de Lyon, dans le cadre du Festival d'Opéras en un acte.
Jusqu'au 2 mai 2007.
1ère partie de soirée de 1h14, complétée, après un entracte d'une demi-heure par Il Tabarro de Puccini.



Direction musicale : Eivind Gullberg Jensen
Mise en scène: Christopher Alden
Décors : Johan Engels
Costumes : Sue Willmington
Lumières: Adam Silverman

Haroun: Jean-Pierre Furlan
Splendiano : Laurent Naouri
Djamileh : Janja Vuletic

Production Opera North de 2004
Extrait vidéo et photos ici, dossier de presse ici et programme là.
Livret seul disponible ici.





Synopsis:

Un sultan volage, qui change d’objet sexuel tous les mois, une esclave amoureuse mais rejetée qui a recourt à la ruse pour arriver à ses fins, un homme de main fidèle et amoureux de l’esclave.


Certes, l’intrigue de Djamileh ne casse pas trois pattes à un canard.


Mais il y a encore chez Bizet, comme dans les Pêcheurs de Perles, cet orientalisme qui l’a tant marqué, et dont le livret et la musique sont totalement imprégnés.

Christopher Alden, photo Brian Slater, une belle métaphore pour cette mise en scène de Djamileh

Christopher Alden, le metteur en scène, a choisi de casser cet orientalisme.
De transposer l’action dans notre présent.
De transformer le romantisme façon XIXe siècle en sado-masochisme version fin de XXe siècle, débauché, cruel et vide de sens.


Naturellement, le grand écart avec l’opéra conduit à une mise en scène totalement ratée.
Et, horreur suprême, d’une vulgarité affligeante.


Comment mon grand ami Serge Dorny a pu acheter une telle production et y voyant une belle expression de théâtre contemporain, voilà une chose supplémentaire qui me sidère chez cet homme.

Photo Opéra de Lyon

Rien n’est à garder de cette production ;

Les décors sont miteux, les costumes sont laids à tomber (Laurent Naouri en baskets blanches immondes, le chœur en racailles de banlieue, Haroun en jean mal coupé avec un T-shirt difforme et une immonde robe de chambre par dessus, Djamileh en pute), la gestuelle est d’une vulgarité sans précédent (comment Janja Vuletic a pu accepter les poses et postures du metteur en scène, et de se laisser dégrader ainsi, voilà qui me sidère), les lumières sont inexistantes et les déplacements mal gérés.


Tout est si catastrophiquement raté qu’on en oublie la beauté de la musique de Bizet et la belle prestation vocale de Janja Vuletic (un nom à retenir).


C’est fort dommage, d’autant que la direction du Norvégien Jensen est lourde et sans finesse et que le timbre de Furlan, particulièrement agaçant, se double d’une technique vocale au mieux quelconque (moi qui focalise en ce moment sur Juan Diego Florez, le réveil fut douloureux).



« Après Noé en 1869, L’Arlésienne en 1872, Djamileh est la dernière œuvre lyrique avant la célébrissime Carmen en 1875. Il s’agit là d’un authentique chef d’œuvre. Toute la puissance dramatique et musicale qui explosera dans Carmen est déjà là. Un ultime cri du génie de Bizet dont le principal défaut fut d’être en avance de plus d’un demi siècle sur son temps et qui ne survivra pas à l’échec de Carmen. » Pierre JOURDAN, extrait de la présentation de l’œuvre jouée en 2005 à Compiègne.

Extrait de l'article paru dans le Monde du 24 avril [Renaud Machart] :


" On se réjouissait d'entendre Djamileh (1872), une rareté orientaliste de Bizet.
Pourtant, une chanteuse formidable mais souffrante (Janja Vuletic), un ténor vocalement ingrat et hurleur (Jean-Pierre Furlan) et une mise en en scène gadget et érotomane (Christopher Alden) auront déçu nos attentes.


Fallait-il tordre le cou au sens du livret en faisant étrangler l'esclave Djamileh par son sultan à la fin de l'ouvrage, alors qu'il est clairement indiqué par Musset, dans Namouna, dont le livret est adapté, qu'il s'agit d'un "happy ending", la première faisant découvrir au second l'amour dont il est capable ? Alden a préféré finir l'ouvrage sur une scène de meurtre filmée façon snuff movie. "

Naouri dans Il Tabarro

Laurent Naouri ........ Michele
Hélène Bernardy ........ Giorgetta
Jean-Pierre Furlan ........ Luigi

Eivind Gullberg Jensen
Choeurs et orchestre de l'opéra de Lyon



Je n’ai jamais vraiment aimé Laurent Naouri.
Ni Puccini, for that matter.

Dans le cadre du Festival d’Opéras en 1 acte, qui vient de débuter cette semaine, il y avait hier double dose de Naouri, dans Djamileh de Bizet et Il Tabarro, de Puccini.

Je réserve mes commentaires sur Djamileh pour un prochain billet, je ne veux parler pour l’instant que de Naouri et de Puccini.



A l’entracte, après Djamileh, je me disais que la performance de Naouri était intéressante, mais que je risquais de saturer sur Il Tabarro.

Que nenni.
Sa performance, tant vocale que scénique a été remarquable.
Mais surtout, alors que l’écriture de Puccini demande une interprétation vocale pointue, nuancée et à mon sens très ardue, j’ai trouvé que les reproches que je faisais à Naouri (tendance à surjouer particulièrement) étaient autant de qualités pour aborder Puccini.

Et je me suis régalée.


Alors c’est ça.
Je ne crois pas que Naouri devrait continuer sur un répertoire bel canto ou XIXe siècle (Verdi, Bizet). Puccini, Mascagni, Leoncavallo, voilà où j’aimerais qu’il se concentre.


NB. Pour la saison 2007-2008, Naouri sera Belcore dans L’Elisir d’Amore de Donizetti (Paris, septembre), le baron Gondremark dans La vie parisienne d’Offenbach (Lyon, décembre), Nick Shadow dans The Rake’s Progress de Stravinsky (Paris, mars 2008),



Il Tabarro
Giacomo Puccini
Livret de Giuseppe Adami


Alors que je me propose de rédiger un billet spécifiquement sur l’opéra de Puccini, je ne veux noter ici que mes impressions quant à l’interprétation et la mise en scène de la version présentée en ce moment à l’Opéra de Lyon.

Direction musicale : Eivind Gullberg Jensen
Mise en scène: David Pountney
Décors : Johan Engels
Costumes : Tom Pye
Lumières : Adam Silverman

Michele : Laurent Naouri
Giorgetta : Hélène Bernardy
Luigi : Jean-Pierre Furlan

Photo Opéra de Lyon

La mise en scène et les décors, qui ont choisi de dépasser le pittoresque d’un couple de mariniers sur leur péniche à Paris, a résolument placé l’œuvre de Puccini dans une dynamique contemporaine pleine de poésie ; ballet des gros sacs de céréales déchargés sur la scène d’ouverture, séparation de la scène sur la hauteur (superbe métaphore, j’ai trouvé), conception de l’élément central du décor qui donne une atmosphère claustrophobique particulièrement adaptée, jeu sur les ombres, bref, une très belle interprétation scénique, dénuée des clichés mais riche en émotions.


La qualité vocale de Naouri et Bernardy a accentué la tension dramatique entre les personnages, mise en relief par le décor et la mise en scène, et m’a réellement transportée dans cette histoire, au demeurant bien classique d’un trio femme/amant/mari.

Laurent Naouri, Photo Opéra de Lyon

Je n’ai par contre pas aimé Jean-Pierre Furlan, qui fait également partie de la production de Djamileh, bien que j’ai trouvé sa prestation un peu meilleure que dans Djamileh. Mais le timbre de sa voix est relativement agressif et ses vibratos masquent mal un souffle incertain.


La direction musicale de Eivind Gullberg Jensen enfin, dont j'ai beaucoup à redire sur Bizet, a par contre été correcte sur Puccini ; quelle joie si rare à l'Opéra que d'entendre un orchestre se lâcher complètement et emplir la salle de musique à un niveau sonore proche de la saturation (chose qui ne risque pas d'arriver à Bastille, une des raisons pour lesquelles j'aime cette salle de l'Opéra de Lyon).


Ce Tabarro est vraiment à recommander au plus haut point.






A suivre, un billet sur Il Tabarro et un autre sur la production (CA-TAS-TRO-PHI-QUE) de Djamileh présentée en 1ère partie de soirée, avant Il Tabarro.


Le livret de Djamileh et de Il Tabarro, édité par l’Opéra de Lyon, est disponible ici.

Extraits YouTube :

- MET 1981 Renata Scotto (Giorgetta) , Vasile Moldoveanu (Michele), duo et scène finale
- Madrid 1979, Placido Domingo (Luigi) dans « Hai ben ragione », avec Angeles Gulin dans le magnigique duo « E ben altro il mio sogno »
- Scala 1983, Pietro Cappuccilli (Michele) dans « Nulla, silenzio »

Rajout extrait de l'article paru dans le Monde du 24 avril [Renaud Machart] :


" Il Tabarro (1918), de Puccini, donné en seconde partie de programme, dans une mise en scène de David Poutney, avait le courage d'affirmer, par une lecture simple et efficace de cette partie du fameux Trittico, quel était le génie dramatique du compositeur.
Comme dans Djamileh, le chef Eivind Gullberg Jensen est meilleur dans l'expression que dans la mise en place (décalages systématiques entre choeur et orchestre).

Et l'on est ravi d'entendre le baryton français Laurent Naouri (Michele) dans l'une des incarnations les plus saisissantes, dramatiquement et vocalement, qu'il ait données à la scène depuis des années. "

Faust, MET, March 17, 2007

And you, what did you do last evening ?
I personally listened to the MET live broadcast of Gounod’s Faust.


CAST

Marguerite: Ruth Ann Swenson
Siébel: Karine Deshayes
Faust: Ramón Vargas
Valentin: Hung Yun
Méphistophélès: Ildar Abdrazakov
Conductor: Maurizio Benini

Mary Sohl / Metropolitan Opera

The overall performance was good, not great, one of those I won’t probably remember in a couple of years.


Ramon Vargas, supposedly one of the best tenors in the world right now was a disappointment, especially in the first act, where, apart from his unimpressive skills to pronounce French properly, he had some bad notes here and there.
He was much better later on, but in the love act, the third one, he was not very credible either.


Hung Fun’s Valentin was equally average, with some problems on low notes especially at the enc of act four (when he dies).

Ildar Abdrazakov as Méphistophélès had some sparkles, as did Karine Deshayes singing Siébel.


Maurizio Benini gave a solid interpretation of Gounod’s score, cutting (as so often with this piece) the first scene of Act IV, as well as the first scene of Act V (a cut rarely done).
But, in my mind, Faust is one of these operas you can’t really conduct poorly, the score being so straightforward and coherent from beginning to end.


The real surprise for me was Ruth Ann Swenson, whose Marguerite was very unique and very attractive (though she had some problems at the end of long aria such as the Jewel song), a well-balanced mixture between her naïve moments and her dark side.






This MET’s production of Faust was created in 2005 by Andrei Serban and received a lot of critics. Further info in this NY Times article from Allan Kozinn.

Lucy Arner on Faust: "Simple is not simplistic".

La Juive, côté théâtre

[2e billet suite à la représentation de la Juive du 3 mars]

Je me dois de parler avec emphase aujourd’hui du trio mise en scène/lumières/décors, qui contrebalance, au moins partiellement, la performance vocale catastrophique de ce samedi.

Mise en scène : Pierre Audi
Décors : George Tsypin
Lumières : Jean Kalman

En parcourant le web, ainsi qu’en écoutant les avis autour de moi, force est de constater que ce trio scinde les spectateurs inexorablement.

Rachel (AC Antonacci) et Eléazar (N. Shicoff)
Photo (c) Ruth Walz, Opéra de Paris

Dans le camp des détracteurs, j’ai lu et/ou entendu que décors et costumes sont trop contemporains, que la mise en scène d’Audi est trop statique et trop spartiate, que les lumières sont too much (notamment sur la scène finale).


Ces déçus, dont la moyenne d’âge doit se situer aux alentours des 60 ans, espéraient peut être trouver sur la scène de Bastille le faste de la mise en scène de 1835 lors de la création de La Juive, où le défilé qui clôt l’acte I comportait sonneurs de trompe, arbalétriers, échevins, archers de l’empereur, hommes d’armes avec armures en acier, hallebardiers, avec moult armes et bannières chatoyantes, chevaux sur scène, costumes magnificents, concourant à faire de cette mise en scène une « orgie de décors, de costumes, de chevaux et d’empereurs »* ?


S’ils avaient cette attente, je comprends que la réalité les ait terrassés.

Répétitions de la Juive
© Jacky Ley / Fedephoto pour Le Monde
Acte I, arrestation d'Eléazar

Pour ma part, les quelques indices que j’avais glané de ci, de là, avant la représentation me laissaient à penser que j’apprécierait ce trio. Je n’avais pas tort.


L’atmosphère industrielle dans laquelle Audi a plongé cette Juive, qui peut paraître saugrenue de prime abord, trouve en fait tout son sens dès les premières minutes de l’opéra, puisque la musique d’Halévy use de bruits d’enclumes pour caractériser le travail d’Eléazar dès la fin du Te Deum de l’ouverture, avec « En ce jour de fête publique
Quel est donc ce logis où l'on travaille encor? … ».

Répétitions de la Juive
© Jacky Ley / Fedephoto pour Le Monde
Arrivée de l'empereur (fin de l'acte I)

Cette immense structure métallique, sur plusieurs niveaux, permet également de matérialiser les antinomies entre les personnages, ou simplement la séparation physique entre eux (comme dans la scène de l’acte II où Léopold, caché, écoute le dialogue entre Eudoxie, venue lui acheter un bijou somptueux, et Eléazar).

Répétitions de la Juive
© Jacky Ley / Fedephoto pour Le Monde
Acte IV, duo entre Rachel (AC Antonacci) et le Cardinal de Brogni (R. Lloyd)

L’affaissement du sol et le décalage d’un niveau vers le bas de cette même structure métallique à l’acte IV m’a semblé particulièrement bienvenu, pour signifier l’enlisement des situations et les affres des personnages principaux (Rachel et Eudoxie au début d'acte, puis Rachel et Brogni, enfin Brogni et Eléazar).

Répétitions de la Juive
© Jacky Ley / Fedephoto pour Le Monde
Acte IV, duo entre Rachel (AC Antonacci) et le Cardinal de Brogni (R. Lloyd)

Les tuyaux verticaux suspendus, présents dès le début de l’acte I, et qui semblaient posés là, aléatoirement, un peu à la va-vite, produisent leur effet à l’acte III, lors de la scène de l’anathème clôturant l’acte, puisque, la structure métallique ayant disparu, on découvre alors qu’ils ne sont qu’une version stylisée d’une cathédrale ; les installer, en « superposition » de la structure métallique à l’acte I se révèle alors judicieux, faisant écho à la musique d’Halévy, et notamment au « Te Deum » et au chœur « Hosanna, plaisir, ivresse, gloire, gloire à l'Éternel » (scène décrite dans le livret comme devant se dérouler dans l’église).

Répétitions de la Juive
© Jacky Ley / Fedephoto pour Le Monde
Acte III, scène de l'anathème

Le dénuement absolu de la scène à l’acte V (avec chœur totalement vêtu de noir rabattu sur les côtés de la scène et grands rideaux noirs tendus en fond de scène ainsi que sur les deux côtés) renforce le dramatique de l’exécution de Rachel et Eléazar, et l’éclairage progressif mais intégral du sol en rouge lors de la scène finale, donne au bûcher de Rachel et Eléazar une dimension émotionnelle qui m’a beaucoup touchée.
L’effet n’aurait pas été le même avec un mini bûcher central, contrairement aux reproches que j’ai lus sur internet.

Scène finale
Photo (c) Ruth Walz, Opéra de Paris

Globalement donc, ce trio mise en scène/décors/lumières se complète à merveille dans une représentation contemporaine, accessible et subtile de l’opéra d’Halévy.



Costumes : Dagmar Niefind
Chorégraphie : Amir Hosseinpour


Je serai en revanche plus critique sur les costumes et la chorégraphie.

Si les premiers frôlent parfois le ridicule (costumes du chœur au 1er acte, de Léopold au début de l’acte III lors de ses retrouvailles avec Eudoxie, de l’empereur lors du déflé clôturant l’acte I –la peinture dorée sur le visage aussi était-elle vraiment nécessaire ?- , costumes des danseurs) , ou le manque d’idée évident (costume de Rachel et d’Eléazar, quasi identique à celui que Shicoff portait lors des représentations du MET en 2003), la chorégraphie elle, par contre, était franchement ridicule.

Répétitions de la Juive
© Jacky Ley / Fedephoto pour Le Monde

Je me suis revue la semaine d’avant, en Avignon, avec les intermèdes dansés lors des Pêcheurs de Perles.
Sauf qu’ici, amis parisiens, j’étais dans une grande salle internationale.
J’avouerais que je n’ai absolument pas fait la différence.
Ridicule.


* Infos tirées du programme de la Juive (p61)

Chronique d'un autre spectateur du 3 mars; c'est là.

Amis parisiens,

[1er billet consacré à la représentation à l’Opéra Bastille de La Juive, d’Halévy, le 3 mars]


Je n’aurai pas de mots assez durs pour vilipender votre pédanterie quant à l’art lyrique, et votre fatuité concernant votre si grande et si prestigieuse maison d’Opéra.*

Je ne saurai retranscrire à sa juste valeur le mépris que m’inspire votre outrecuidance et votre dénigrement pour tous les opéras « de campagne » que compte la France.


Quand on pète plus haut que son cul, amis parisiens, la moindre des choses est d’offrir à Bastille des représentations dignes de ses exigences prétentieuses.


Force est de constater que, vocalement parlant, la prestation de ce samedi a été une énorme farce (Annick Massis exceptée et Anna Caterina Antonnacci, dans une moindre mesure).




Commençons par le moins mauvais.


Les chœurs de l’Opéra de Paris.

Je ne sais si la faute en impute aux chanteurs en eux-même (j’ai la naïveté de penser que non) ou au chef des chœurs, Peter Burian et son adjoint, Alessandro Di Stefano, mais pouvoir s’enorgueillir d’un chœur d’une centaine de chanteurs et ne pas être capable de leur inculquer la notion de nuance me semble du gaspillage de forces vives.

Je suis sans doute mauvaise juge, étant habituée au chœur de l’Opéra de Lyon dirigé par l’excellentissime Alan Woodbridge, chœur ayant la réputation, parmi les spécialistes, d’être le meilleur de France (pardonnez-nous, pauvres provinciaux, de posséder des éléments de qualité).

Aussi je ne m’attarderai pas sur le sujet.




Puisque ce billet ne concerne que les prestations vocales entendues ce samedi, je poursuivrai donc directement avec les solistes.


André Heyboer, dans le rôle de Ruggiero, prévôt de la ville, a manqué de projection, alors que le rôle d’Albert, interprété par Vincent Pavesi, était trop restreint pour que je m’en fasse une opinion.



Colin Lee, dans le rôle de Léopold, a manqué d’assurance (et de projection de voix) dans les aigus, mais la partie médium de sa partition a été correctement menée (de même que son jeu scénique).
Disons que c’est un chanteur en devenir, pas encore abouti, mais sur le bon chemin.
Dans une si grande maison d’opéra comme la vôtre, amis parisiens, je conçois qu’on lui accorde généreusement de partager le rôle avec John Osborn (puisqu’il joue la moitié des représentations de cette Juive). Après tout, il faut laisser leur chance aux nouveaux talents lyriques.



Robert Lloyd, qui joue toutes les représentations dans le rôle du cardinal de Brogni (sauf trois) est par contre un gros foutage de gueule.

Jeu scénique abominable (pourquoi camper des émotions réalistes quand on peut en faire des tonnes, et n’importe comment), projection de voix inexistante, incapacité à tenir une note sans user de vibratos dès la première seconde, sa prestation a été calamiteuse.

Je m’étonne de votre manque de discernement à ce sujet, amis parisiens.

Où donc est votre exigence d’excellence ?

(de ce point de vue, et pour anticiper sur Merritt, le duo de l’acte IV entre Brogni et Eléazar, pourtant un moment dramatique intense dans la partition, c’est transformé en jeu de carnage particulièrement insupportable).






Chris Merritt enfin.

Ah, Chris Merritt.
(lire à ce sujet le billet de Kozlika, qui a assisté à la même représentation que moi, se gardant bien de me prévenir de cette coïncidence).


Je ne ferai pas preuve de la magnanimité légendaire de Kozlika, amis parisiens.
Que nenni.


Qu’importe le passé glorieux de Merritt.
Qu’importent ses problèmes de santé (non résolus depuis la générale).
Qu’importe son jeu scénique (bon au demeurant).
Qu’importe le rendu de son Eléazar (scéniquement beaucoup plus proche de l’esprit du livret que celui de Neil Schicoff).


Dire que sa prestation vocale a été calamiteuse est très largement édulcoré.
Le pathétique a été atteint bien avant le fameux air clôturant l’acte IV, "Rachel, quand du Seigneur".


L’insupportable a des limites.
Chris Merritt les a pulvérisées.


Alors, amis parisiens, si vous n’êtes pas foutus de reconnaître que lorsqu’un certain stade de nullité vocale est dépassé, mieux faut "inviter" Merritt à rester chez lui avec une tisane, et laisser sa chance à un ténor de l’Atelier Lyrique, même s’il ne connaît pas le rôle et qu’il fait ses débuts sur scène, alors, amis parisiens, "je vous maudis".


Et c’est peu de le dire.


C'est Adolphe Nourrit, le ténor qui créa le rôle d'Eléazar en 1835 et refondit l'air "Rachel, quand du Seigneur" qui doit se retourner dans sa tombe...




Lorsque la prestation globale des chanteurs masculins est aussi mauvaise, qui plus est ; il s’agirait de faire preuve d’un peu de décence et d’humilité.
Et de se terrer à vingt mille lieues sous les mers.



Pour finir sur Merritt, je n’ai plus qu’une remarque à signaler.


Je ne hue pas à l’opéra pour des questions de personnalité qui me sont propres, mais ce n'est pas l'envie qui m'en a manquée.
La marque des Grands est de savoir s'arrêter à temps.
Chose que je ne pardonne pas à Merritt.

Amis parisiens, honte à vous.

* référence à un forum bien connu et au staff de l'ONP

Extrait du programme de La Juive (p37);
"Sa reprise tardive à l'Opéra de Paris après une absence de soixante-dix ans, représente l'apothéose légitime de son retour".

[Les Pêcheurs de Perles] Avignon 2007

La version présentée lors de ces deux représentations avignonnaises, et lors des prochaines à venir à Tours et à Metz est celle de 1863. Visiblement, on ne monte plus que cette version, celle corrigée de Benjamin Godard n’étant plus hype. Soit. Admettons.

Comme toujours avec ces Pêcheurs de Perles de Bizet, la mise en scène (ici de Nadine Duffaut) était conventionnelle et donc totalement inintéressante. Las. J’aimerais voir un jour un Pierre Audi ou un Laurent Pelly s’emparer de cet opéra pour dépoussiérer un peu la vision convenue de l’orientalisme du XIXe siècle. Costumes classiques, chorégraphie entendue, voilà des choses auxquelles je me suis résignée, depuis le temps.

Mention spéciale, dans cette version en Avignon aux lumières de Jacques Benyeta (à peine dignes d’une troupe de théâtre amateur tant elles étaient simplissimes et primitives) et aux décors d’Emmanuelle Favre, que je peux affubler des mêmes qualificatifs précédents.

Enfin, j’aimerais savoir qui a eu la bonne idée d’inonder la scène de bruitages de foudre pendant l’entièreté du chœur « Nuit d’épouvante » à l’acte III. Merci d’avoir ainsi dénaturé la musique de Bizet. Heureusement, le charme des Pêcheurs réside, pour moi, dans bien d’autres choses.

La musique, et le chant.

Patrizia Ciofi (Leïla) Acte III, 1er tableau

Côté musique, la direction de Vincent Barthe est remarquable.

Deux crans au dessus de celle de Viotti, dix crans au dessus de celle de Prêtre, mille crans au dessus de celle de Plasson. Je la place néanmoins derrière celle de Dervaux, et ceci pour une seule raison : le chœur « Brahma divin Brahma » au milieu de l’acte I et clôturant l’acte II, que Barthe a fait jouer trop lourdement et trop lentement.

Mais mis à part cela, je n’ai vraiment aucune critique à formuler à sa direction.

 

L’orchestre d’Avignon est à la mesure d’une petite salle de province, correct, mais sans plus (problème de rythme d’une des deux flûtes, et de synchro au niveau des cors).

Le chœur a quant à lui fait preuve d’une belle cohérence et de quelques nuances bienvenues. Compte tenu des moyens limités d’Avignon dans le domaine (une douzaine d’hommes et autant de femmes), le travail de Stefano Visconti, le chef de chœur, m’a réellement impressionné. Il me donne envie d’en savoir plus sur son parcours et sa philosophie.

Nicolas Testé (Nourabad) et Patrizia Ciofi (Leïla) Acte III, 2e tableau

  

Passons au chant. 

Je ne comprends absolument pas la réaction du public, enthousiaste à la prestation de Marcel Vanaud, dans le rôle de Zurga, s’épanchant généreusement en bravos après « Au fond du temple saint » (duo avec Nadir) et le solo débutant l’acte III. J’ai pour ma part trouvé son chant et sa prestation exécrables (et je pèse mes mots).

Non content de ne pas projeter (particulièrement dans les graves), de chanter franchement faux à plusieurs reprises et d’avoir une présence scénique plus que limitée, l’omniprésence de ses vibratos excessifs a été particulièrement insupportable à mes oreilles. Je ne me faisais guère d’illusions quant à sa capacité à détrôner le seul et l’unique Ernest Blanc, mais offrir une prestation de cette médiocrité aux côtés de quelqu’un comme Ciofi, c’est vraiment se foutre de la gueule du monde (et je pèse toujours mes mots).

Que le public, ensuite, ait apprécié, voilà bien qui me laisse songeuse quant à l’oreille des Avignonnais.

Francesco Meli, probablement souffrant (c’est l’hécatombe en ce moment parmi les chanteurs d’opéra, Shicoff et Merritt en tête pour La Juive à Bastille, et j’y reviendrai), a été remplacé, visiblement au pied levé, par le jeune ténor Antonio Figueroa, élève de l’Atelier Lyrique de Montréal.

Je parlais de remplacement de dernière minute parce que Figueroa a eu des problèmes de rythme tout l’après-midi, notamment sur le « récitatif » avant l’air « Je crois entendre encore » et que la direction de Barthe, lorsqu’il était sur scène, se focalisait quasi-exclusivement sur lui, pour le cadrer rythmiquement.

Si la diction de ce jeune artiste est excellente, ainsi que la justesse de ses aigus, il lui reste maintenant à travailler sur la projection de sa voix. Dans un simple duo avec Leïla comme « Ton cœur n’a pas compris le mien » (acte II), on l’entendait à peine. Quant il s’agit de chanter par dessus le chœur (comme à la fin de l’acte II), la situation en est devenue grotesque, puisque ses lèvres bougeaient mais qu’aucun son ne parvenait à mes oreilles (et j’étais à 5 mètres de lui, à peine). Je n’ose imaginer le carnage dans une salle moyenne (ne parlons pas même de grande salle).

Une de mes anticipations de cette représentation était d’entendre Nicolas Testé, cette jeune basse dont on dit le plus grand bien, et que je me réjouissais de découvrir enfin.

Certes, le rôle de Nourabad est particulièrement peu fourni dans les Pêcheurs (particulièrement dans la version de 1863), mais je suis restée sous le charme de la justesse de sa voix, de sa très bonne projection et de son charisme scénique (malgré la pauvreté de ses déplacements dans la mise en scène de Duffaut). I

ndubitablement, j’essaierai de le revoir. (le public avignonnais, par contre, lui a réservé un accueil pour le moins indifférent)

 

Patrizia Ciofi enfin. Leïla.

Je parlais de l’hécatombe de malades parmi les chanteurs d’opéra ces temps, Patrizia Ciofi fait partie du lot. Ce que je suppose être une angine bien chargée l’a handicapée tout l’après-midi, et s’est aggravé en cours de représentation, rendant sa voix de plus en plus voilée (bon courage aux spectateurs de demain).

Néanmoins, parce qu’il y a un néanmoins, elle a donné une interprétation de Leïla qui, pour moi, est la meilleure que qu’il m’ait été donné d’entendre à ce jour.

Son timbre était celui que j’attendais depuis longtemps pour Leïla ; je compare avec, respectivement, les prestations de Janine Micheau, greluche ; Ileana Cotrubas, insipide; Annick Massis, froide et hautaine ; Barbara Hendricks dont la diction gâche tout. Alors certes, je l’ai déjà entendue en bien meilleure forme (lors de son récent Il Crociato in Egitto de Meyebeer à la Fenice notamment), et de ce point de vue, elle a été décevante. Mais encore une fois, elle reste à ce jour ma Leïla préférée.

Et puis, sa joie de vivre et sa bonne humeur, dont elle n’hésite pas à faire étalage en fin de représentation participent de son charme. Sans compter qu’habituée des grandes maisons, Ciofi n’a aucun problème de projection. Et ça, ça change tout.

Merci Patrizia.

Parce que je n'étais pas la seule présente en Avignon, vous pouvez lire ici un autre avis que le mien; "Le Zurga de Marcel Vanaud est beaucoup plus convaincant (...) son grand air du début du troisième acte (“L’Orage s’est calmé”) a été magnifiquement mené."
Alors ça vraiment, j'en reste pantoise. Les mots me manquent...

Ernest Blanc people, Ernest Blanc?

Comment peut-on trouver magnifique le solo de Vanaud en ayant entendu Ernest Blanc? Il faudra décidément que je vous mette l'extrait en mp3 sur ce blog un jour...